Kuidas kuulsate kunstnike maalid said moe osaks, kujundades kahekümnenda sajandi uue stiili

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Seosed kunsti ja moe vahel määravad ajaloo konkreetsed hetked. Mõlemad meediumid peegeldavad sotsiaalseid, majanduslikke ja poliitilisi muutusi alates möirgavatest kahekümnendatest kuni elava kaheksakümnendateni. Siin on neli näidet kunstnikest ja moeloojatest, kes aitasid oma tööga kujundada uut vaatenurka 20. sajandi kunstile ja moele.

1. Halston & Warhol: moevendlus

Roy Halstoni ja Andy Warholi sõprus määratles kunstimaailma. Nii Roy kui ka Andy olid juhid, kes sillutasid tee kunstnikust / disainerist kuulsuseks. Nad eemaldasid kunstimaailma pretensioonika häbimärgi ning tõid massidesse moe ja stiili. Piltide loomisel kasutas Warhol mitu korda siiditrükki. Kuigi ta kindlasti ei leiutanud seda protsessi, tegi ta masstootmise idees revolutsiooni.

Roy kasutas litrite, ultrate ja siidi kasutamisel kangaid ja mustreid, mis olid lihtsad ja elegantsed, kuid samas glamuursed. Ta oli üks esimesi, kes muutis Ameerika moe kättesaadavaks ja ihaldusväärseks. Mõlemad jätsid oma lõpliku jälje kunstile ja stiilile kogu 1960., 70. ja 80. aastate jooksul, mis kestab tänaseni.

Nii Roy kui ka Andy on töötanud koos paljude erinevate projektide kallal. Warhol lõi reklaamikampaaniaid, kus olid esindatud Halstoni riided ja isegi Halston ise. Halston omakorda kasutas Warholi lilletrükki mõnes oma rõivakollektsioonis, alates õhtukleitidest kuni vabaajakomplektideni.

Roy kasutas oma riietuses lihtsaid mustreid, mis muutsid need väga edukaks. Neid oli mugav kanda, kuid tänu kangastele, värvidele ja trükistele oli neil ka luksust. Warhol lihtsustas ka oma materjale ja protsessi. See hõlbustas tema töö reprodutseerimist ja muutis need paremini müüdavaks.

Kaubanduslikul edul on olnud mõlema kunstniku jaoks oma väljakutsed. Halston oli esimene jaemüügiketi JCPenney partner 1982. aastal ja see on mõjutanud tema kaubamärgi kvaliteeti. Warhol sai samuti kriitikat, kuna tema tööd peeti pealiskaudseks. Mõlemad on aga oma jaemüügi- ja turundusruume kaasajastanud, et luua massiturul müügiks kaubamärke.

Roy ja Andy olid Stuudio 54 sagedased külalised. Nad korraldasid pidusid, kujundasid ja valmistasid teoseid kuulsustele nagu Liza Minnelli, Bianca Jagger ja Elizabeth Taylor. Kõik see kajastub nende loomingus, kuna nad inspireerisid ja määratlesid 1970ndate diskoajastu.

Halston oli tuntud läikivate õhturõivaste loomise poolest. Roy asetas litrid kangale horisontaalselt, luues läikiva efekti materjalist, mida ta kasutas luksuslike rõivaste loomiseks, mida armastasid paljud glamuursed daamid.

Warhol Diamond Dust Shoe Series illustreerib ka Studio 54 ööelu ja seal elavaid kuulsusi. Teemanttolmu kasutas ta šabloonide või maalide kohal, luues tükile täiendava sügavuselemendi. Ja tema kingad olid algselt Halstoni reklaamikampaania idee. Igatahes andsid need kaks moodi tohutu panuse, jättes selja taha kustumatu jälje. Tõepoolest, isegi tänapäeval on paljud kaasaegsed disainerid inspireeritud Andy ja Roy ideedest, luues suurepäraseid kollektsioone mineviku kajadega.

2. Sonia Delaunay: Kui kunstist saab mood

Sonia Delaunay tegi mitte ainult revolutsiooni kubismi uues vormis, vaid tutvustas ka kunsti ja moe vahelist seost. Nii Delaunay kui ka tema abikaasa olid orfismi pioneerid ja katsetasid kunstis erinevaid abstraktsiooni vorme. Ta oli esimene omataoline, kes kasutas oma kunstilist stiili ja kolis moemaailma, kasutades oma originaalseid tekstiilikujundusi, trükiseid või mustreid. Teda mäletatakse rohkem kunsti ja sidemete pärast abikaasaga kui moe poolest. Tema stiil mängis 1920ndatel olulist rolli ning tema rõivakataloogi mäletatakse rohkem fotode ja viitetega tema kunstile kui rõivaste endaga. Sonya jaoks oli ja pole piiri kunsti ja moe vahel. Tema jaoks on need üks ja sama.

Ta alustas oma moeäri 1920ndatel, luues klientidele riideid ja kujundades tootjatele kangaid. Sonya nimetas oma plaati samaaegseks ja läks värvide ja mustrite kasutamisel erinevatel teemadel veelgi kaugemale. Samaaegsus mängis tema töös olulist rolli ning tema ebatavaline tehnika meenutas lapitekki või Ida -Euroopast pärit tekstiili: värvid olid üksteise peale asetatud ning harmoonia ja rütmi loomiseks kasutati mustreid. Tema ühiste teemade hulka kuuluvad ruudud / ristkülikud, kolmnurgad ja diagonaaljooned või kerad - need kõik kattuvad tema erinevates kujundustes.

Delaunay oli noor naine Edwardi ajastul, kui korsetid ja vastavus olid normiks. See muutus 1920. aastatel, kui naised hakkasid kandma seelikuid põlve kohal ja lahtisi, liibuvaid riideid. Seda aspekti võib näha Delaunay disainilahendustes ja ta oli kirglik naiste vajadustele vastavate riiete loomisel. Sonya töötas välja ujumisriided, mis võimaldasid naistel end mugavamalt tunda isegi sportides ja ujudes. Ta pani oma prindid mantlitele, kingadele, mütsidele ja isegi autodele, kasutades lõuendina mis tahes pinda. Tema kujundused lõid värvi ja kuju kaudu liikumis- ja väljendusvabaduse.

Kogu oma karjääri jooksul proovis ta end pidevalt milleski uues ning kolis seetõttu kinosse ja teatrisse. Sonia kujundas kostüümid Rene Le Somptieri filmi „Väike pariislane” jaoks, abikaasa aga tegi filmi võtteplatsi. Talle meeldisid geomeetrilised kujundid, osavalt kombineerides ja segades neid omavahel, luues veidraid mustreid ja katkendlikke jooni, mis on saanud tema tunnusmärgiks.

3. Elsa Schiaparelli ja Salvador Dali koostöö

Sürrealistliku kunsti avangard on ühendatud sürrealistliku moe liidriga. Salvador Dali ja moedisainer Elsa Schiaparelli on kogu oma karjääri vältel koostööd teinud ja inspireerinud. Nad lõid ikoonilisi välimusi nagu homaarikleit, kingakübar ja pisarakleit, mis šokeerisid ja inspireerisid publikut nii kunstis kui ka moes. Dali ja Schiaparelli sillutasid teed edasiseks koostööks moeloojate ja kunstnike vahel, ületades lõhe kantava kunsti ja moe vahel. Dali kasutas oma töös korduva teemana homaare ja tundis huvi nende anatoomia vastu.

Kleit "Omar" on Elsa ja Dali ühistöö ning nende loomine tekitas palju poleemikat mitte ainult debüütpäeval, vaid ka pärast seda. Esiteks on sellel puhas pihik ja valge organza seelik. Ebatavaline riietus puhus moemaailma sõna otseses mõttes õhku, põhjustades selle skoori osas palju poleemikat. Valge riide kasutamine on samuti kontrastiks homaari punase värvusega. Valget võib pidada neitsiks või sümboliseerida puhtust punasega võrreldes, mis võib tähendada lõdvestumist, jõudu või ohtu.

Skeletid on veel üks sürrealistlikus kunstis leiduv teema ning neid on kasutatud rohkemates Dali ja Schiaparelli koostöös. Skeletoni kleit oli esimene omataoline. Elsa kasutas tehnikat nimega trapunto, kus kaks kihti kangast õmmeldakse kokku, luues kontuuri, kuhu vatiin sisestatakse, luues seeläbi kõrgendatud efekti. See tehnika loob tasasele kangale tekstureeritud pinna, tekitades illusiooni, et inimese luud ulatuvad kleidist välja. See tekitas skandaali, sest kleit oli valmistatud elastsest materjalist, mis kleepus naha külge. Dali maalide ja joonistuste fantaasiad kehastusid Schiaparelli rõivaste ebareaalses maailmas, mis jätavad tänaseni kustumatu mulje nii vaatajatele kui ka disaineritele.

4. Yves Saint Laurent: kunsti ja inspiratsiooni kokkupõrge

Kus on piir jäljendamise ja tunnustamise vahel? Kriitikud, publik, kunstnikud ja disainerid on näinud vaeva, et kindlaks teha, kus see joon kulgeb. Kui rääkida aga Yves Saint Laurentist, ei olnud tema kavatsused midagi muud kui meelitus ja imetlus kunstnike ja maalide üle, mida ta inspiratsioonina kasutas. Vaadates oma suurt portfelli, inspireeris Saint Laurent kogu maailma kultuure ja kunsti, mille ta edukalt oma rõivastesse sisse lülitas.

Kuigi Yves ei kohanud kunagi teda inspireerinud kunstnikke, ei takistanud see teda kunstiteoste loomisel austuse märgiks nende vastu. Laurent ammutas inspiratsiooni sellistelt kunstnikelt nagu Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ja Picasso. Ta oli kunstikoguja ja kogus Picasso ja Matisse maalid, mille ta oma koju riputas.

Yves võttis mõned kunstimotiivid ja muutis need suurepärasteks rõivasteks, mis austavad mõnda tema lemmikkunstnikku. 1960ndad olid revolutsiooni ja kommertslikkuse aeg, uus moe ja kunsti ajastu. Saint Laurenti projektid saavutasid kaubandusliku edu, kui ta hakkas inspiratsiooni ammutama popkunstist ja abstraktsioonist. 1965. aastal lõi ta kakskümmend kuus kleiti, mis olid inspireeritud Piet Mondriani abstraktsetest maalidest. Kleidid kehastasid Mondriani lihtsustatud kujundeid ja julgeid põhivärve. Yves kasutas tehnikat, mille puhul kangakihtide vahel polnud õmblusi näha, mistõttu jäi mulje, et riided on üks tervik. Saint Laurent võttis Mondriani kunsti 1920. aastatest ja muutis selle 1960. aastatega võrreldes kantavaks.

Moodsad kleidid on 1960ndate stiili klassikalised näited. Need olid sarnased 1920ndate rõivastega, mis olid vähem piiratud ja millel olid varrukad ja äärised, mis paljastavad suuri nahalaike. Saint Laurenti ruudukujulised siluetid panid naised end kergelt ja vabalt tundma. See tõi talle inspiratsiooni ka sellistest popkunstnikest nagu Tom Wesselman ja Andy Warhol. Ta lõi popkunsti inspireeritud kujunduse, millel olid tema rõivastel siluetid ja väljalõiked. See puudutas kunsti abstraktsiooni piirangute ületamist ja disaini kommertsialiseerimist. Laurent viis need kaks ideed kokku, et luua naistele riideid, mis on kaasaegsetele daamidele tasuta ja atraktiivsed.

Saint Laurenti Vincent Van Goghi jakid on näide sellest, kuidas Yves ühendas kunstniku inspiratsiooni oma disaini andega. Sarnaselt teiste tema rõivastega ei kopeeritud ja kleebitud Saint Laurenti rõivastele kunstnikuga seotud teemasid. Selle asemel otsustas ta kasutada neid inspiratsiooniallikana ja luua tükke, mis peegeldavad tema enda stiili. Jope on näide 80ndate stiilist, mis on tikitud päevalilledega Van Goghi maalilises stiilis.

Laurent on teinud koostööd kõrgmoe tikandite liidriga Maison Lesage. Jakk "Päevalilled" on tikitud torukujuliste helmestega. Lilled on täidetud erinevate oranžide ja kollaste sädelustega. Sellega luuakse mitmemõõtmeline tekstuur, mis sarnaneb Van Goghi tehnikaga paksu värvi kandmisel lõuendile. Hinnanguliselt on see üks kallimaid kõrgmoe esemeid, mida Christie's on tehtud ja müüdud ligi neljasaja tuhande euro eest. Saint Laurent sillutas teed riiete kui kunstiteose kandmiseks iseenesest, olenemata moest ja ajaperioodist.

Teemat jätkates lugege ka mis viis Saeko Yamaguchi edule, muutes ta üheks Kenzo ja Yamamoto armastatuimaks muusaks.