Kuidas loodi maailma kuulsaimad maalid: intrigeerivad lood suurte kunstnike maalidest

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Ajakirjanik ja filosoof Grigory Landau ütles kord: "Kunst on dialoog, milles vestluspartner vaikib." Maal on peen kunst, allegooriline, emotsionaalne, andes tõlgendamisvabaduse. See on terve maailm lahendamata saladusi ja lahendamata saladusi. Proovime avada saladusloori suurte kunstnike kõige kuulsamate maalide loomise ajaloo üle.

#1. Püha George ja draakon, Paolo Uccello, 1470

Tegelikult on kunstnikul sellest maalist kaks versiooni. Selles versioonis võidab George draakoni, keda ilus daam rihma otsas hoiab. Maalil on sügav religioosne tähendus. Legendi järgi asus Liibüa linna järve elama draakon. Paganlik keiser käskis talle ohverdada ilusaid tüdrukuid. Kui linna ei jäänud ühtegi noort naist, saatis keiser oma tütre draakoni juurde. Vapper sõdalane George läks teda päästma ja alistas draakoni. Siinne printsess sümboliseerib tagakiusatud kristlikku kirikut, draakon - paganlust ja George - kristlikku usku. On versioone, et hiljem pühakuna tunnustatud George trambib mitte ainult paganlust, vaid ka kuradit ennast, "iidset madu".

# 2. Jaime La Couleur, Cherie Samba, 2003

"J'aime la couleur" on kunstniku autoportree. Nii paljastab ta oma töö tähenduse: „Värv on kõikjal. Ma usun, et värv on elu. Meie pea peab pöörlema spiraalselt, et mõista, et kõik, mis meid ümbritseb, pole midagi muud kui värvid. Värv on universum, universum on elu, maalimine on elu."

# 3. Bath, Jean-Leon Gerome, 1885

Eksperdid usuvad, et see pilt ja samalaadne pilt Jerome'i teoses sümboliseerivad "valget" snobismi. Seda võib näha lõuendil kujutatud kujundite dünaamikast. Valge naine on domineeriv subjekt, mustanahaline aga alistuv.

#4. Maiste naudingute aed, Hieronymus Bosch, 1490-1510

Hieronymus Bosch on üks salapärasemaid kunstnikke maailmas. Tema maalide sümboolika on sedavõrd segaduses, et neil kujutatud tohutule hulgale sümbolitele on lihtsalt võimatu leida üht seletust. See konkreetne teos sai oma nime kunstikriitikute järgi, kes seda uurisid. Algne nimi jäi teadmata. Ajaloolased usuvad, et triptühhoni vasak paneel on taevas, keskne moodne patune inimelu ja parem paneel kujutab põrgu. Kuid pilt tekitab palju rohkem küsimusi kui vastab.

#5. Sharpie, Caravaggio, 1594

See teos pole sugugi karikatuur räpaste hasartmängude pahest. See on pigem rahulik jutustus, millest Caravaggio oli hästi teadlik. Lõppude lõpuks juhtis kunstnik ise oma elu väga kergemeelselt ja isegi vägivaldselt. Süžee kirjeldab arenevat draamat - pettuse ja süütuse kaotamise draamat. Naiivsed noored võtsid ringlusse kogenud teritajad. Vanem piilub oma kaarte ja annab märke teisele petisele.

# 6. Watson ja hai, John Singleton Copley, 1778

Pildil on juhtum päriselust. 1749. aastal otsustas Havannas 14-aastane kajutipoiss Brooke Watson supelda. Teda ründas hai. Laeva kapten, millel poiss teenis, üritab teda päästa, tappes hai harpuuniga. Kaptenil õnnestus see alles kolmandal katsel. Watson kaotas selles ebavõrdses lahingus jala. Siis kõndis ta kogu elu puust jalaga. See ei takistanud teda Londoni linnapeaks saamast. Samal ajal kohtus ta kunstnikuga ja rääkis talle selle loo. Mis oli John Copley inspiratsiooniks.

# 7. Wassily Kandinsky kompositsioon VIII, 1923

Lapsepõlvest paelus Kandinskit värv. Kunstnik uskus, et tal on transtsendentaalsed omadused. Kandinsky kirjutas oma kompositsioone sümfoonia heliloojana. Iga kompositsioon peegeldas kunstniku nägemust oma ajaperioodil. Kandinsky kasutas oma töödes geomeetrilisi kujundeid, sest uskus nende müstilistesse omadustesse. Figuuride värvid peegeldasid emotsioone.

#kaheksa. Saturn sööb poega, Francisco Goya, 1823

Vanaks saades jäi Goya kurdiks ja tema tervis üldiselt, nii füüsiline kui ka psühholoogiline, halvenes. Just sellega seostavad ajaloolased tema kirjutamist 14 -seeriaga, nagu neid nimetati "süngeks pildiks". Mille ta maalis seest oma maja seintele. "Saturn sööb poega" on üks neist. See on tuntud Vana-Kreeka müüt titaanist Kronosest (hiljem roomlased nimetasid ta ümber Saturniks). Cronusele öeldi, et tema poeg kukutab ta. Ja Saturn sõi ära kõik oma vastsündinud lapsed. Goyas on Saturnit kujutatud kohutava poolhull vanamehena, kes sööb mitte imikut, vaid täiskasvanud last. Selle lõuendi tähendusele on palju tõlgendusi. Kuid kõige tähtsam on see, et kunstnik ei kirjutanud seda avalikkusele. Võib -olla üritas Goya sel viisil oma deemoneid välja ajada.

#üheksa. Hirv Sharkeys, George Wesley Bellows, 1909

Kunstnik kujutas tavalist stseeni New Yorgi igapäevaelust 20. sajandi alguses. Privaatne võitlusklubi, nagu tavaliselt, asus vaestes linnaosades. Väliseid inimesi, kes ei olnud klubi liikmed, nimetati seal "hirvedeks". Nad said võitlemiseks ajutise liikmeskonna. Lõõtsad maalisid pildi nii, et seda vaadates jääb mulje, et olete lahingu pealtvaatajate hulgas.

#kümme. Sõber hädas, Cassius Marcellus Coolidge, 1903

"Sõber hädas" on Cassius Marcellus Coolidge'i sarja Dogs Playing Poker populaarseim film. Selle sarja tellis Coolidge firmalt Brown & Bigelow sigarite reklaamimiseks. Kuigi kriitikud ei pidanud Coolidge'i maale kunagi tõeliseks kunstiks, on need sellest ajast alates muutunud ikooniks.

#ühtteist. Kartulisööjad, Vincent Van Gogh, 1885

Van Gogh tahtis kujutada talupoegi sellistena, nagu nad tegelikult on. Ta tahtis näidata täiesti teistsugust eluviisi, erinevalt kõrgematest klassidest. Hiljem kirjutas ta oma õele ja teatas, et kartulisööjad on tema edukaim maal.

#12. Medusa parv, Theodore Gericault, 1819

Lõuendil "Medusa parv" ("Le Radeau de la Méduse") on kujutatud Prantsuse mereväe fregati "Medusa" kokkuvarisemise tagajärgi. Osa inimesi mahtus paatidesse, ülejäänud 147 inimese jaoks ehitati kiiruga parv. Paadid vedasid parve. Kuid kapten, märgates, et parv on liiga raske, käskis köied ära lõigata. Ligi poolteist sada inimest jäeti ilma toidu ja veeta omaette. 13 päeva teekonnal parvel, kummitusliku päästmislootusega, jäi 147 inimesest ellu 15. Näljast ja janust hullud inimesed sõid üksteist ja jõid verd. Prantsusmaa tahtis selle häbiväärse loo maha vaikida, kuid see oli liiga räige ja see ei õnnestunud.

#13. Praamivedajad Volgal, Ilja Repin, 1873

See teos on Ilja Repini kuulsaim. Pilt on muutunud kultuseks. Töö, mille kunstnik tegi, oli tõsine. Repin kohtus kõigi maalil kujutatud praamivedajatega isiklikult. Kunstnik kirjutas sadu visandeid ja kulutas sellele teosele 5 aastat. Nii ajaloolased kui ka kaasaegsed peavad maali rõhutud klasside raske töö otseseks hukkamõistuks. Kuigi Repin eitas seda arvamust alati.

#neliteist. Susanna ja vanemad, Artemisia Gentileschi, 1610

Susanna ja vanemad on piibellik lugu Vanast Testamendist. Keiser Nebukadnetsari valitsemisajal langes juudi rahvas babüloonlaste orjusesse. Nende hulgas oli Susanna koos abikaasa Joachimiga. Naisel oli ebamaine ilu ja kaks vanemat soovisid teda. Nad ähvardasid teda, et kui Susanna pole nende vastu lahke, ütlevad nad inimestele, et ta on abielurikkuja. Naine keeldus ja vanemad täitsid nende ähvardusi. Ta mõisteti juudi seaduste järgi surma. Siis aga sekkus noor prohvet Taaniel. Tal tuli idee mehed üle kuulata, kõigepealt eraldi ja siis koos. Nende versioonid ei langenud kokku, paljastus laim. Susanna mõisteti õigeks ja vanemad hukati. On väga tähelepanuväärne, et kunstnik oli selle pildi maalimisel alles 17 -aastane. Artemisia enda jaoks sai ta prohvetlikuks, sest hiljem juhtus temaga sarnane lugu.

#15. Gross Clinic, Thomas Eakins, 1875

Selle pildi süžee põhineb operatsioonil, mida tunnistas Eakins. Selle viis läbi Ameerika üks parimaid kirurge dr Samuel Gross. Operatsioon viidi läbi klassiruumis õpilaste ees õpetamise eesmärgil. Arst näitas, kuidas infektsiooni ravida konservatiivse operatsiooniga, mitte kogu jäseme amputeerimisega (mis oli tollal standardne). Lõuend kujutab tegelikkust ilustamata: nii Grossi rahulikku professionaalsust kui ka naise kannatusi vasakus alanurgas. Teadlased usuvad, et patsiendi ema. Kriitikud ja vaatajad hindasid tööd Eakinsi hämmelduseks äärmiselt negatiivseks. Inimesed, kes rahulikult mõtlesid veriste lahingute plaane, ei olnud valmis mõtisklema meditsiinilise operatsiooni realismi üle.

#16. Rändaja udumere kohal, Caspar David Friedrich, 1818

"Rändaja üle udumere" ("Der Wanderer über dem Nebelmeer") on lõuend, kus kunstnik jäi truuks oma romantilisele stiilile. Pildil kujutas Friedrich ennast, seisis üksi seljaga vaataja poole tumedal järsul kivil. "Rändaja udumere kohal" on metafoor. See puudutab eneserefleksiooni, tundmatut tulevikku. Friedrich ütles selle teose kohta nii: "Kunstnik peab joonistama mitte ainult seda, mis on tema ees, vaid ka seda, mida ta enda sees näeb." # 17. Koristajad, Jean-Francois Millet, 1857

Maalil Des glaneuses on kujutatud kolme taluperenaist, kes koguvad pärast põllu koristamist järele jäänud okkasid. Talupoegade raske ja tagasihoidlik töö äratas kunstnikust kaastunnet. Just neid emotsioone väljendati pildil. Kuid ühiskonnas äratas töö kõrgematest klassidest negatiivset kriitikat. Prantsusmaa koges hiljuti revolutsiooni ja aadel pidas seda pilti ebameeldivaks meeldetuletuseks, et Prantsuse ühiskond on üles ehitatud alamate klasside tööle. Ja kuna sel ajal ületas töölisklass ülemklassi, kartsid nad, et pilt võib kuidagi alamklassi mässule ajada.

#kaheksateist. Karje, Edvard Munch, 1893

Karje on üks maailma salapärasemaid meistriteoseid. Munch ütles, et käis kord päikeseloojangul jalutamas. Loojuva päikese valgus värvis pilved veripunaseks. Ja Munch kuulis, tundis, nagu ta ütles, "looduse lõputut nuttu". Teine selgitus võib olla Munchi emotsionaalse seisundi tulemus, sest tema õde saadeti hiljuti hullumajja. Seda maali on röövitud mitu korda. Süžeed võib pidada prohvetlikuks: 19. sajandi lõpus kirjeldas Munch 20. sajandi katastroofe.

#19. Suur laine Kanagawa lähedal, Katsushika Hokusai, 1829 - 1833

Kompositsioon koosneb kolmest põhielemendist: tormine meri, kolm paati ja mägi. Lumega kaetud mägi on Fuji mägi, mida jaapanlased peavad pühaks. See on rahvusliku identiteedi ja ilu sümbol. Sellised mängud ruumi ja erksate värvidega, ebatavalised Aasia maalimise jaoks. Pilt sümboliseerib inimese hirmu alistamatu elemendi ees ja sellele sunnitud allumist.

#kakskümmend. Tähine öö, Vincent Van Gogh, 1889

"Tähine öö" on meistriteos, mida, olles seda vaid korra näinud, ei unusta sa enam kunagi. Kunstnik maalis selle vaimuhaigete haiglas viibides. Need keerised, tohutud tähed … Mõned usuvad, et Van Gogh kujutas aknast vaadet. Aga haiged ei tohtinud tänavale minna, neil oli koguduses töötamine isegi keelatud. Vincenti vend palus haigla juhtkonnal anda talle tuba, et ta saaks kirjutada. Teadlased usuvad, et Van Gogh kujutas oma maalil sellist nähtust nagu turbulents - keeris voolab veest ja õhust. Seda pole näha, kuid kunstniku kõrgendatud taju aitas tal näha tavaliste surelike silmade eest varjatut. 10 kadunud ja äsja leitud suurteost suurte meistrite poolt. Põhineb materjalidele