Kes Rodin tegelikult lõi "Mõtleja" või "Leinaja": kuulsate kunstiteoste tõeline tähendus

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Igaüks võib kergesti märgata, et leina teema on kunstnike seas väga populaarne. Ja sageli ei tea tänapäeva inimesed isegi mõne maali või skulptuuri päritolu ajaloost ja nende tegelikust tähendusest.

"Veneetsia Stanley portree, leedi Digby" Van Dyck

Tundub, et noor naine magab rahulikult. Sellest hoolimata, kui flaami kunstnik Anthony van Dyck 1633. aastal püüdis lõuendile edasi anda Veneetsia Stanley aristokraatlikku ilu, leed Digbyt, maalis ta tegelikult portree … kahepäevasest surnukehast lebavast surnukehast.

Leinast kurvastuses avastanud, et tema naine suri ootamatult öösel, olles 33 -aastane, palus Veneetsia abikaasa sir Kenelm Digby kuningas Charles I õukonnamaalijal Van Dyckil maalida oma lahkunud naine enne kirurge ja koronereid. saabunud."

Anthony van Dyck kirjutas Veneetsia, leedi Digby oma surivoodil aastal 1633 - kaks päeva pärast seda, kui naine unes suri

Van Dijk asus tööle, ignoreerides kohutavaid muutusi, mis inimkehas pärast surma toimuvad. Veneetsia kahvatule, võluvale kaelale joonistas ta pärlikee ja lehe servale laiali roosi kroonlehti. Digby uskus, et Van Dycki maal, mis asub nüüd Londoni Dulwichi kunstigaleriis, oli kunstniku loomingu krooniv saavutus. Tema sõnul tundus see "roos" isegi esmapilgul "tuhmumas" ja pidi sümboliseerima tema naise surma.

Hoolimata asjaolust, et peaaegu neli sada aastat on möödas, levivad endiselt kuulujutud, et Digby, kes polnud mitte ainult õukondlane ja diplomaat, vaid ka leiutaja ja alkeemik, põhjustas oma naise surma. Mõned ütlevad, et ta andis Veneetsiale juua rästikute vere segu, millega ta lootis oma ilu säilitada. Teised usuvad, et ta tappis ta armukadedusehoos - lõppude lõpuks ütles ta väidetavalt kord Veneetsia kurikuulsa liiderlikkuse kohta, et "tark ja tugev mees suudab teha ausat naist isegi bordellitöötajast". Huvitav on see, et kuigi lahkamine viidi läbi, pole selle tulemusi säilinud.

Digby leidis end aga Veneetsia surmast laastatuna. Ta kirjutas oma vennale, et Van Dycki surmajärgne portree „on ainus pidev kaaslane, kes mul praegu on. Ta seisab terve päeva minu tooli ja laua ees … ja terve öö voodi kõrval. Kui nõrk kuuvalgus tema peale langeb, tundub mulle, et näen teda tõesti surnuna."

Teisisõnu, Digby kirja järgi on Van Dycki väike õlimaal, mille pindala on alla ühe ruutmeetri, muutunud leinale lohutuseks ja lohutuseks. Kui pildil olev roos on tõepoolest elu mööduvuse "embleem", sümboliseerib pilt ise seda, mida võib nimetada kurbuse kunstiks.

Lisaks kirikutes peetavatele matusemälestistele, mis paigaldati peamiselt surnu mälestuseks, leiti Lääne kunsti leina teemat enne Van Dycki ajastut, keskajal ja renessansi ajal reeglina ainult religioossetes maal ja skulptuurid, mis on pühendatud traagilisele Kristuse surma loole. …

Michelangelo Pieta Peetruse basiilikas

Michelangelo vapustav marmorist pieta Püha Peetruse basiilikas on ainus skulptuuriteos, mille ta on kunagi allkirjastanud. Ta kujutab leinavat Neitsi Maarjat, kelle süles lebab surnud Kristus. See on võib -olla kõige kuulsam näide, kuid on ka palju teisi. Näiteks võib välja tuua teise kõrgrenessansiaegse kunstniku ja Michelangelo sõbra Sebastiano del Piombo maali. Rahvusgalerii ekspertide sõnul on maal (mille kallal töötas del Piombo koos Michelangeloga) "Surnud Kristuse nutulaul" (umbes 1512-1516) "ajaloo esimene suuremahuline öömaastik" ja selle kuuvalge taevas sobib ideaalselt sünge meeleoluga.

Michelangelo „Pieta” Püha Peetruse basiilikas on kuulus versioon ühest levinumast kujutisest katoliikluses: Neitsi Maarja kurbusest poja surma pärast

Muidugi on traditsioonilist Kristuse leina teemat kujutanud paljud kunstiajaloo kuulsad autorid Giotto ja Mantegnast Rubensi ja Rembrandtini. Need on vaid mõned tuhandetest kunstnikest, kes on sajandite jooksul seda piibellikku stseeni ühel või teisel kujul kujutanud. Tõepoolest, leinakunst on muutunud nii üldlevinud, et mõnikord unustavad inimesed selle, mida nad vaatavad. Rodini uue näituse kuraator Briti muuseumis avaldas hiljuti artikli, mis soovitas kuulsat prantsuse skulptuuri Mõtleja tegelikult nimetada leinajaks. "Vaadake tähelepanelikult kätt ja lõuga," ütles Vana -Kreeka kunsti autoriteet Ian Jenkins. - Kui see inimene midagi mõtleks, oleks ta mõtlemise žestiga käega lõua katnud. Kuid selles skulptuuris toetab käsi lõuga. Ja Vana -Kreekas oli see leinažest."

Arnold Böcklini "Surnute saar"

Arnold Böcklini õlimaal puidule "Surnute saar", 1880. Selle süžee põhineb Vana -Kreeka mütoloogial. Maal inspireeris Jacques Tourneuri samanimelist õudusfilmi

Kui sisestate sõna "lein" mõne rahvusvahelise muuseumi veebi otsingumootorisse, annab see palju tulemusi. Näiteks Ühendkuningriigis andis selle märksõna otsing Tate Gallery veebisaidilt 143 kunstiteost leina ja kannatuste teemal erinevatel perioodidel.

Näiteks hakkasid kunstnikud 18. sajandil vaatama leina ja kurbust läbi Shakespeare’i draama prisma. Lemmikteemaks oli kuningas Leari tütre Cordelia surm. 19. sajandil on John Everett Millaisi hämmastavalt detailne maal Ophelia (1851–52), mille jaoks modell Elizabeth Siddal poseeris neli kuud iga päev vannis neli kuud, kuulus ja väga poeetiline visuaalne leina väljendus. See kujutab Shakespeare'i Hamleti Taani aadliprouat, kes läks oma mõrvatud isa pärast kurvastusest hulluks ja uputas end ojasse.

Rodini mõtleja

Ian Jenkins Briti muuseumist usub, et Rodini „Mõtlejat” tuleks nimetada leinajaks, sest tegelane toetas lõua kokku surutud rusikasse - see on selge märk sellest, et inimene on endassetõmbunud ja sukeldunud omaenda leinasse.

Lein oli kunstnike jaoks väga oluline teema Viktoria ajastul, mil populaarne oli keeruline "leinakultuur". Kunstiajaloolane Nigel Llewellyn märgib oma artiklis „Surmakunst” (1991), et „muljetavaldav surmav visuaalkultuur” oli 19. sajandi tunnus.

Picasso "Nuttev naine"

20. sajandil jätkasid kunstnikud oma viktoriaanlike esivanemate traditsiooni oma teostes leina väljendada. Võib -olla on parim näide Picasso nuttev naine (1937), mis on seotud tema sama aasta eepilise maaliga Guernica, mis on maalitud Hispaania kodusõja ajal vastuseks Saksa lennukitele Baski linna pommitamisele. Paljud peavad Guernicat 20. sajandi kollektiivse leina lõplikuks väljenduseks. Muidugi on palju näiteid ka teistest 20. sajandi maalidest, mille teema on seotud kurbusega. Näiteks võite meenutada väikest Lucian Freudi maali, mille ta maalis 1973. aastal - tema ema portreed, keda ta abikaasa surm kurvastas.

Francis Baconi "Triptühhon"

Francis Bacon maalis Triptühhi vasakul paneelil (august 1972) oma väljavalitu George Dyeri, kes tegi enesetapu

Francis Baconi Triptühhon, mida täna ka Tate'is eksponeeritakse, on suutnud puudutada nii isiklikku kui ka avalikku leina. Üks Baconi niinimetatud mustadest triptühhidest maaliti pärast tema väljavalitu George Dyeri enesetappu, kelle kujutist on näha vasakul paneelil. Seega on triptühhon unustamatu ja väga isiklik tunnistus maalija kannatustest (mis muide on kujutatud paremal paneelil).

Loomulikult ei saanud kaks 20. sajandi maailmasõda kunsti mõjutada. Kunstikriitikud väidavad, et sõda mõjutas sügavalt seda, kuidas kunstnikud leina kujutasid, võrreldes 19. sajandiga. Erinevalt viktoriaanlikust leinast, kus üksikud pered kogesid individuaalset leina, kannatas peaaegu iga Euroopa pere äkki.

Sõja mälestusmärgid

Selle üheks tagajärjeks oli valitsuse ametlik püüdlus "luua leina jaoks sobiv visuaalne kultuur". Viktoriaanlaste poolt nii armastatud klassikalised allegoorilised matusekujud langesid moest. Nende asemel olid sõjamälestusmärgid, mis rõhutasid pigem ühist rahvuslikku ohverdamist kui üksikisikute kaotust.

Londoni Whitehalli lähedal asuv Cenotaph War Memorial, mille kujundas Edwin Lutyens, on selle uue lähenemise arhetüüpne näide: inimkujude asemel on tühi kirst, mida võib seostada iga sõduriga. Leinavad pered saavad seda kasutada universaalse sümbolina.

Taryn Simon tegi installatsiooni "Okupatsiooni kaotused", millest võttis osa 21 "professionaalset leinajat" erinevatest kultuuridest

Leina mitmekülgsus on endiselt kaasaegsete kunstnike käsitletud teema. Selle aasta alguses sai Ameerika fotograaf Taryn Simon kiiduväärseid hinnanguid oma live -installatsiooni Occupation of Loss eest, mis oli lavastatud Põhja -Londoni maa -aluses saalis. 2016. aastal New Yorgis esilinastunud teose jaoks kutsus Simon 21 “professionaalset leinajat” üle maailma, sealhulgas Albaaniast, Aserbaidžaanist, Ecuadorist, Ghanast ja Venezuelast. Publik sai kuulata kõiki neid naisi.