9 hiilgavate kunstnike meistriteost, kes inspireerisid suurepäraseid moeloojaid ja lõid ainulaadseid kollektsioone

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Läbi ajaloo on mood ja kunst käinud käsikäes, et luua suurepärane kombinatsioon. Paljud moeloojad on oma kollektsioonide jaoks laenanud ideid kunstilistelt liikumistelt, mis on võimaldanud moodi tõlgendada kui kunstivormi, mis on mõeldud peamiselt ideede ja visioonide väljendamiseks. Sellest mõjutatuna on mõned rahvusvaheliselt tuntud moeloojad loonud silmapaistvaid kollektsioone, mis põhinevad 20. sajandi kunstiliikumistel.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, kes sündis 1876. aastal Põhja-Kesk-Prantsusmaal, oli tuntud kui "stiilijumalanna ja rätsepatöö kuninganna". Roomas viibimise ajal oli ta lummatud Kreeka ja Rooma tsivilisatsiooni kunstist ja kultuurist ning inspireeritud iidsetest jumalannadest ja kujudest. Nende kunstiteoste põhjal kujundas ta oma stiili esteetika ning ühendas kreeka skulptuuri ja arhitektuuri elemendid, et anda naisekehale uus mõõde. Madeleine tegi oma kleitide tõmbamise ja kaldumise oskusega revolutsiooni kaasaegses moes. Ta konsulteeris oma kunstikogude jaoks sageli kunstiteostega, nagu Samothrace'i tiivuline võit.

Hellenistliku kunsti meistriteose ja Vionne muusa sarnasused on silmatorkavad. Kanga sügav drapeerimine kreeka kitoni stiilis tekitab joonisel alla voolavaid vertikaalseid valgusjooni. Skulptuur loodi austusena Kreeka võidujumalannale Nikele ja seda imetletakse selle realistliku liikumise kujutamise pärast. Vionneti disaini voolav eesriie meenutab Nike keha külge kleepuva lainelise kanga liikumist. Kleidid võivad olla nagu hingega elusolendid, nagu keha. Nagu Samothrace'i tiivuline võit, lõi Madeleine kleidid, mis äratavad sügavale sisemusse peidetud inimliku olemuse. Klassitsism, nii esteetiline filosoofia kui ka disainifilosoofia, andis Vionne'ile võimaluse oma nägemust geomeetrilises harmoonias edasi anda.

Teda paelusid ka kaasaegsed kunstiliikumised nagu kubism. Madeleine hakkas oma loomingusse geomeetrilisi kujundeid kaasama ja võttis kasutusele teise nende lõikamise meetodi, mida nimetatakse kaldlõikamiseks. Muidugi ei väitnud Vionne kunagi, et oleks leiutanud kaldus lõike, vaid ainult laiendas selle kasutamist. Kui naised saavutasid oma õiguste eest võitlemisel kahekümnenda sajandi alguses suuri edusamme, kaitses Madeleine oma vabadust, kaotades pikaajalise viktoriaanliku korseti naiste igapäevase kandmise eest. Seetõttu sai temast sümbol, mis vabastas naised rinnakorvi piirangutest ja vabastas hoopis uued, kergemad kangad, mis sõna otseses mõttes naiste kehal voolasid.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli on Valentino peadisainer ja teda köidavad keskaja religioossed tööd. Tema jaoks on inspiratsiooni lähtepunktiks üleminekuhetk keskajast põhja renessanssi. Ta tegi koostööd Zandra Rhodosega ja nad töötasid koos välja kevadel 2017 inspireeriva kollektsiooni. Piccioli soovis siduda 70ndate lõpu punkkultuuri humanismi ja keskaegse kunstiga, nii naasis ta oma juurte ja renessansi juurde, leides inspiratsiooni Hieronymus Boschi maalist „Maiste naudingute aed“.

Kuulus hollandi maalikunstnik oli 16. sajandi üks silmapaistvamaid Põhja renessansi esindajaid."Maiste naudingute aias", mille Bosch maalis enne reformatsiooni, soovis kunstnik kujutada paradiisi ja inimkonna loomist, Aadama ja Eeva esimest kiusatust, aga ka põrgut, oodates patuseid. Keskmisel paanil näivad inimesed rahuldavat oma isusid naudingumaailmas. Boschi ikonograafia paistab silma originaalsuse ja sensuaalsuse poolest. Kogu pilti tõlgendatakse patu allegooriana.

Moemaailmas saavutas maal populaarsuse, kuna selle motiivid paelusid erinevaid moeloojaid. Segades ajastud ja esteetika, tõlgendas Piccioli ümber Boschi sümboleid lendavate läbipaistvate kleitidega, samas kui Rhodos lõi romantilisi trükiseid ja tikitud mustreid, mis olid esialgsele kunstiteosele veidi sarnased. Värvid olid kindlasti osa sõnumist, mida disainerid soovisid edastada. Seega põhineb lendavate unistavate kleitide kollektsioon õunaroheliste, kahvaturoosade ja siniste robin -munade põhjapoolsel värvipalettil.

3. Dolce ja Gabbana

Peter Paul Rubens maalis meisterlikult naisi armastuse, õppimise ja hoolsusega. Ta esitas oma "Veenuse peegli ees" ilu ülima sümbolina. Peter kujutas eranditult tema heledat nägu ja blonde juukseid, mis on kontrastis tumedanahalise neiuga. Peegel on absoluutne ilu sümbol, mis raamib naist nagu portree ja rõhutab samal ajal peenelt figuuri alastiolekut. Peegel, mida Amor jumalannale hoiab, näitab Veenuse peegeldust kui erootilise külgetõmbe ja iha kujutist. Rubens, kes oli üks barokk -kunsti rajajaid, ja tema kontseptsioon "värvid üle joonte" mõjutasid mitut moeloojat, sealhulgas Dolce & Gabbanat. Barokkstiil kaldus renessansi vaimust kõrvale, loobus rahulikkusest ja siledusest ning otsis hoopis elegantsi, põnevust ja liikumist.

Moeloojad Domenico Dolce ja Stefano Gabbana soovisid luua kampaania, mis tähistaks nii naiste ilu sensuaalset kui ka romantilist poolt. Peter Paul Rubens oli kõige sobivam inspiratsiooniallikas. Kultusduo looming oli suures kooskõlas flaami kunstniku kunstiga. Selles kollektsioonis poseerisid modellid suure aadliga, nähes välja nagu oleksid just Rubensi ühelt maalilt maha astunud. Kaunistused olid kavandatud meenutama barokkpeegleid ja tikkimisdetaile. Figuuride graatsilisust ja pastelset värvipaleti rõhutas kaunilt brokaatroosa kleit. Moeloojate valik kaasata erinevaid mudeleid aitas veelgi kaasa selle ajastu kehatüübile. Kumerad jooned, mida Dolce ja Gabbana kasutasid, olid vastuolus erinevate kehatüüpide diskrimineerimisega moetööstuses.

Dolce ja Gabbana naiste sügis 2012 kollektsioon tutvustab paljusid Itaalia barokkstiilis arhitektuuri omadusi. See kollektsioon sobib suurepäraselt Sitsiilia barokkstiili rikkalikult kaunistatud omadustega. Disainerid keskendusid barokkstiilis arhitektuurile, nagu on näha Sitsiilia katoliku kirikutes. Võrdluspunktiks oli Rubensi maal "Austria Anna portree". Oma kuninglikus portrees on Austria Anna kujutatud Hispaania moel. Anna musta kleiti kaunistavad rohelised tikandid ja kuldsed detailid. Luksuslikest tekstiilidest nagu pits ja brokaat valmistatud kunstiliselt kujundatud kleidid ja keebid on saanud Dolce ja Gabbana show põhijooneks, kes vallutasid maailma oma loovusega.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciagat võib nimetada tõeliseks meistriks, kes muutis kahekümnendal sajandil naiste moodi. Sündinud väikeses Hispaania külas, tõi ta oma kaasaegsetesse projektidesse Hispaania kunstiajaloo olemuse. Kogu karjääri jooksul avaldas Balenciagale muljet Hispaania renessanss. Ta otsis sageli inspiratsiooni Hispaania kuninglikust perekonnast ja vaimulike liikmetest. Moedisainer muutis ajastu kirikutarbed ja kloostrirõivad kantavateks moemeistriteosteks.

Tema üheks suureks inspiratsiooniks oli manerist El Greco, tuntud ka kui Dominikos Theotokopoulos. Vaadates kardinal El Greco Fernando Niño de Guevarat, näete kardinali neeme ja Balenciaga kujunduse sarnasusi. Maal kujutab Hispaania kardinali Fernando Niño de Guevarat El Greco ajast Toledos. El Greco ideed on laenatud Itaalia renessansi neoplatonismist ja sellel portreel esitab ta kardinali kui Jumala armu sümbolit. Manerism on kogu pildil olemas. See on märgatav pikliku kujuga, millel on väike pea, graatsilised, kuid veidrad jäsemed, intensiivsed värvid ning klassikaliste mõõtude ja proportsioonide tagasilükkamine.

Balenciaga kirg ajaloolise riietuse vastu ilmneb sellest tema 1954. aasta kollektsiooni ekstravagantsest õhtumantlist. Tal oli visioon ja oskus leiutada kujundeid kaasaegsel moel. Selle mantli liialdatud krae kajastab kardinali keepi kottilist stiili. Kardinali riiete punane värv sümboliseerib verd ja tema valmisolekut surra usu eest. Kuulus disainer pidas elavat punast erakordseks, kuna ta soosis sageli julgeid värvikombinatsioone ja erksaid toone. Tema suur uuendus oli vöökoha kaotamine ja voolavate joonte, lihtsate lõikude ja kolmveerandvarrukate kasutuselevõtt. Seda tehes muutis Balenciaga naiste moodi.

Disainer tutvustas ka käevõru pikkuseid varrukaid, mis võimaldasid naistel oma ehteid välja panna. 1960ndatel, kui naised järk -järgult tööturule tulid, tekkis Balenciagal idee anda oma riietatud naistele mugavust, vabadust ja funktsionaalsust. Ta reklaamis lahtisi ja mugavaid kleite, mis vastandusid päeva vormis siluetidele.

5. Alexander McQueen

Austria kunstnik, sümboolika meister ja Viini eraldumisliikumise asutaja Gustav Klimt pani aluse 20. sajandi kunstiajaloole. Tema maalid ja kunstiline esteetika on pikka aega inspireerinud moeloojaid. Teised nagu Aquilano Rimondi, L'Rene Scott ja Christian Dior, disainer, kes viitas otseselt Klimtile, oli Alexander McQueen. Kollektsiooni Resort Spring / Summer 2013 kollektsioonis on ta kujundanud unikaalseid tükke, mis näivad olevat inspireeritud kunstniku loomingust. Vaadates voolavat musta kleiti, mille peal korduv kuldmuster - konkreetne pilt võib meelde tulla. McQueen on kasutanud abstraktseid, geomeetrilisi ja mosaiikkujundusi pronksist ja kuldsetest toonidest, lisades need oma kujundustesse.

1905. aastal maalis Gustav Klimt maali "Kallistamine", mis kujutas õrna embusesse sattunud paari, millest sai armastuse sümbol. Austria kunstnik on tuntud oma kuldsete maalide poolest, samuti täiusliku abstraktsiooni ja värvikombinatsiooni poolest. Kõigil mosaiikidel on rikkalikud kuldsed toonid koos kaleidoskoopiliste või looduslike kaunistustega, millel on olnud suur mõju moele. See maal on silmatorkav kahe armukese riiete vaheliste kontrastsete geomeetriliste kujundite tõttu. Meeste riietus koosneb mustadest, valgetest ja hallidest ruutudest, naiste kleit on kaunistatud ovaalsete ringide ja lillemotiividega. Seega illustreerib Klimt meisterlikult erinevust mehelikkuse ja naiselikkuse vahel. Aleksander võttis oma riiete jaoks kasutusele midagi sarnast.

6. Christian Dior

Impressionismi rajaja ja üks suurimaid prantsuse maalikunstnikke kunstiajaloos Claude Monet jättis maha suure kunstilise pärandi. Kasutades inspiratsiooni saamiseks oma kodu ja aeda Giverny's, jäädvustas Monet oma maalidel loodusmaastikku. Eelkõige õnnestus maalil "Kunstniku aed Giverny'is" loodusmaastikku vastavalt oma vajadustele manipuleerida. Pruuni mustuseraja kontrast lillede elava värviga täiendab stseeni. Kuulus impressionist valis särava päikese efekti tekitamiseks sageli iiriseõie selle lilla värvi tõttu. See maal on täis elu, kui lilled õitsevad ja tervitavad, kallistades kevadet. Roosi ja sireli kroonlehed, iirised ja jasmiin on osa värvilisest paradiisist, mis on kujutatud valgel lõuendil.

Samamoodi jättis prantsuse moe pioneer Christian Dior hiiglasliku jälje moemaailma, mida tuntakse ka tänapäeval. 1949. aastal kujundas ta kevad / suvehooajaks haute couture kollektsiooni. Selle näituse üks tipphetki oli ikooniline Diori kleit, mis oli täielikult tikitud lille kroonlehtedega erinevates roosades ja lillades toonides. Dior illustreeris suurepäraselt kahte kunsti- ja moemaailma ning imiteeris selles funktsionaalses kleidis Monet esteetikat. Ta veetis palju aega maal, maalides oma kogusid oma aias Granville'is, nagu Monet. Nii määratles ta elegantse Diori stiili, lisades oma loomingusse Monet värvipaleti ja lillemustrid.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian oli üks esimesi kunstnikke, kes lõi 20. sajandil abstraktse kunsti. 1872. aastal Hollandis sündinud ta asutas terve kunstiliikumise De Stijl. Liikumise eesmärk oli ühendada kaasaegne kunst ja elu. See stiil, tuntud ka kui neoplastika, oli abstraktse kunsti vorm, milles kasutati ainult geomeetrilisi põhimõtteid ja põhivärve nagu punane, sinine ja kollane ning neutraalseid (must, hall ja valge). Pete'i uuenduslik stiil 1900. aastate alguses sundis moeloojaid seda puhast abstraktse kunsti tüüpi reprodutseerima. Selle maalimisstiili parim näide on kompositsioon punase, sinise ja kollase värviga.

Kunstisõber, prantsuse moelooja Yves Saint Laurent lülitas Mondriani maalid oma kõrgmoe loomingusse. Esmakordselt inspireeris teda Pete looming, kui ta luges raamatut kunstniku elust, mille ema talle jõuludeks kinkis. Disainer avaldas tunnustust kunstnikule oma 1965. aasta sügiskollektsioonis, mida tuntakse Mondriani kollektsioonina. Inspireerituna kunstniku geomeetrilistest joontest ja julgetest värvitoonidest esitas ta kuus kokteilikleiti, mis tähistasid tema ikoonilist stiili ja kuuekümnendate ajastu üldiselt. Iga Mondriani kleit oli pisut erinev, kuid neil kõigil oli ühine lihtne A-kujuline kuju ja varrukateta põlvepikkus, mis sobis ideaalselt igale kehatüübile.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, sündinud 1890. aastal Rooma aristokraatlikus peres, väljendas peagi oma armastust moemaailma vastu. Ta hakkas arendama oma revolutsioonilist stiili, inspireerituna futurismist, dadast ja sürrealismist. Karjääri edenedes suhtles ta selliste kuulsate sürrealistide ja dadaistidega nagu Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp ja Jean Cocteau. Ta tegi isegi koostööd hispaania kunstniku Salvador Daliga.

Moeajaloo üks suurimaid koostööid oli Dali ja Elsa Schiaparelli koostöö. See kleit loodi koos Salvador Daliga Schiaparelli tsirkusekollektsiooni osana 1938. aasta suvel. Kleit viitab Dali maalile, kus ta kujutas moonutatud keha proportsioonidega naisi.

Sürrealistlike kunstnike jaoks oli ideaalse naise otsimine hukule määratud, kuna ideaal eksisteeris ainult nende kujutluses, mitte tegelikkuses. Dali eesmärk ei olnud aga kujutada naisi realistlikult, seega pole nende keha üldse esteetiline. Schiaparelli tahtis katsetada seda keha peitmise ja paljastamise mängu, luues haavatavuse ja ebakindluse illusiooni. Pisarate illusiooniga kleit oli valmistatud kahvatusinisest siidkreppist, austades Salvadori ja tema ebaproportsionaalseid naisi.

9. Gianni Versace

Popkunsti ajastu oli moeloojate ja kunstnike jaoks kunstiajaloos ilmselt kõige mõjukam periood. Andy Warhol oli popkultuuri ja kõrgmoe segu teerajaja, tehes temast popkunsti liikumise ikoonilise sümboli. Kuuekümnendatel hakkas Warhol harjutama oma allkirjatehnikat, mida tuntakse siiditrüki nime all.

Üks tema varasemaid ja kahtlemata kuulsamaid teoseid oli Marilyn Diptych. Selle tüki jaoks ammutas ta inspiratsiooni mitte ainult popkultuurist, vaid ka kunstiajaloost ja abstraktsetest ekspressionistlikest kunstnikest. Andy jäädvustas Marilyn Monroe kaks maailma, Hollywoodi staari seltsielu ja Norma Jeane'i, naise, kes võitles depressiooni ja sõltuvusega, traagilise reaalsuse. Diptühh võimendab vasakpoolset vibratsiooni, paremal aga kaob pimedusse ja hämarusse. Püüdes esindada tarbimisühiskonda ja materialismi, kujutas ta üksikisikuid pigem toodete kui inimestena.

Itaalia disainer Gianni Versace oli Andy Warholiga kauaaegne sõprus. Mõlemat meest paelus populaarkultuur. Warholi austamiseks pühendas Versace talle oma 1991. aasta kevadsuvise kollektsiooni. Ühel kleidil olid Warholi trükised koos Marilyn Monroega. Ta ühendas seelikesse ja maksikleitidesse Marilyni ja James Deani elavad siidist portreed 1960ndatest.

Ja jätkates moe, ilu ja erakordsete ideede teemat, lugege ka sellest, kuidas kaasaegsed kunstnikud on muutnud meigi tõeliseks kunstiteoseks.