7 andekat sürrealistlikku naist, kes võiksid olla Frida Kahlo väärilised rivaalid

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Sürrealism ei olnud mitte ainult kunstiline liikumine, vaid ka igatsus vabaduse järele, mis hõlmas kõiki eluaspekte. Nagu ütles Meret Oppenheim, elasid ja töötasid sürrealistlikud naised "teadliku sooviga vabaneda". Sarnaselt meessoost kolleegidega olid ka sürrealistlikud naised poliitilised aktivistid, naiste õiguste kaitsjad ja revolutsioonilised võitlejad. Nad elasid erakordset elu vabade isikutena, leiutades oma ilu ja väärikuse, väljendades vahetu energiat, atraktiivsust ja huumorit ning pole üllatav, et mõned neist edestasid mitte ainult meeskunstnikke, vaid ka legendaarset Frida Kahlot, kelle maale on kasutatud tohutult populaarne kogu maailmas.

Kui kaheksateistaastane Violetta Nozières 21. augustil 1933 oma isa mürgitamise tunnistas, plahvatas Prantsuse ajakirjandus tema vastu nördimusest. Avaliku arvamuse kohaselt oli Violetta "kergemeelne tüdruk", ilmutades kalduvusi äsjavalminud "emantsipeerunud" naistele, kes elavad lahustunud elu, erinevalt oma töökatest eakaaslastest. Vahet polnud, kas süüdistused olid tõesed, igal juhul otsustas ajakirjandus temast patuoina teha.

Ometi kõlas endiselt üksildane lahkarvamuste hääl: sürrealistid näitasid oma toetust kollektiivsele loovusele, valides oma mustaks ingliks Violetta, muusa, kes innustaks neid pidevalt võitlema kodanliku mentaliteedi ja selle müütide vastu õiguskorrast, loogikast ja põhjus. Süsteem, mis viis postindustriaalse ajastu sotsiaalse ebavõrdsuseni ja Esimese maailmasõja õuduseni, oli sürrealistide sõnul parandamatult vigane. Selle alistamiseks oli vaja mitte ainult poliitilist, vaid ka kultuurilist revolutsiooni.

Seega oli naiste emantsipatsioon kapitalismi ja patriarhaadi kukutamisel põhiline, alustades väljakutsega kodanlikule arusaamale naistest kui oma olemuselt headest, ennastsalgavatest, alistuvatest, asjatundmatutest, jumalakartlikest ja sõnakuulelikest.

Luule. Vabadus. Armastus. Revolutsioon. Sürrealism ei ole kapriisne eskapism, vaid laiendatud teadlikkus. Piiride ja tsensuuri puudumine pakkus turvalist kohta I maailmasõja kollektiivse trauma arutamiseks ja töötlemiseks ning pakkus ka väljundit naiste loomingulistele vajadustele.

Kuigi nad olid liikumises teretulnud ja aktiivselt kaasatud, oli sürrealistlik arusaam naistest ikkagi väga sügavalt juurdunud idealiseerimisstereotüüpides. Naisi peeti kas muusadeks ja inspiratsiooniobjektideks või äratati imetlust infantiilsete tegelastena, kes olid oma naiivsuse ja hüsteerilise eelsoodumuse tõttu andekad elava kujutlusvõimega.

Just sürrealistlike naiste loomingu kaudu sai naiste identiteet tõepoolest võimaluse õitseda, kindlalt kinnistuda kunstimaailma, kuna nad omastasid muusa müüdi, et väljendada oma täielikku potentsiaali aktiivsete loojatena. Pikka aega olid naiskunstnikud jäi meelde peamiselt nende suhete tõttu, sageli sentimentaalne. meesartistidega. Alles hiljuti on nende töid iseseisvalt analüüsitud ja neile on tähelepanu pööratud.

1. Valentine Hugo

Valentina Hugo sündis 1887. aastal ja sai akadeemilise hariduse kunstnikuna, kes õppis Pariisi kaunite kunstide koolis. Kasvanud valgustatud ja edumeelses peres, astus ta isa jälgedes, saades illustraatoriks ja joonistajaks. Vene balletiga töötamise tõttu on tal Jean Cocteau'ga tekkinud tugevad ametialased sidemed. Cocteau kaudu tutvus Hugo 1917. aastal oma tulevase abikaasa Jean Hugoga, Victor Hugo lapselapselapsega, ja sürrealistliku liikumise asutaja André Bretoniga.

Tänu sellele sõprusele sai ta üha enam lähedaseks äsja loodud kunstnikegrupiga, kuhu kuulusid Max Ernst, Paul Eluard, Pablo Picasso ja Salvador Dali. Selle aja jooksul liitus ta sürrealistlike uuringute bürooga ja eksponeeris oma töid 1933. aastal sürrealistlikes salongides ning 1936. aastal kaasaegse kunsti muuseumi näitusel Fantastic Art, Dada, Surrealism.

Sürrealistidest kolleegide Rene Creveli enesetapu ning Tristan Tzara ja Éluardi lahkumise tõttu lahkus ta sürrealistide rühmitusest igaveseks. 1943. aastal lisati tema sõna Peggy Guggenheimi 31 naise näitusele. Tema esimene retrospektiivnäitus toimus Troyes'is, Prantsusmaal, 1977. aastal, kümme aastat pärast tema surma.

2. Meret Oppenheim

Meret Oppenheim sündis 1913. aastal Berliinis, kuid kolis I maailmasõja alguses Šveitsi. Tema ema ja vanaema, kes kasvasid jõukas peres, olid sufražetid. Vanaema oli üks esimesi naisi, kes õppis maalimist. Oma kodus Karonis kohtus Meret paljude intellektuaalide ja kunstnikega, nagu dadaistlikud maalikunstnikud Hugo Ball ja Emmy Hennings, samuti kirjanik Hermann Hesse, kes abiellus oma tädiga (ja hiljem lahutas).

Tema isa, arst, oli Carl Jungi lähedane sõber ja käis sageli tema loengutes: ta tutvustas Meretile analüütilist psühholoogiat ja julgustas teda juba varasest noorusest pidama unistuste päevikut. Tänu nendele teadmistele oli Meret ehk ainus sürrealist, kellel oli autoriteet psühhoanalüüsis. Kummalisel kombel oli ta ka üks väheseid sürrealiste, kes eelistas Jungi Freudile.

Aastal 1932 kolis ta Pariisi, et jätkata oma kunstnikukarjääri, luues kontakti sürrealismiga Šveitsi skulptori Alberto Giacometti kaudu. Peagi sai ta sõbraks ülejäänud grupiga, kuhu sel ajal kuulusid Man Ray, Jean Arp, Marcel Duchamp, Dali, Ernst ja Rene Magritte.

1936. aastal Picasso ja Dora Maariga Pariisi kohvikus istudes märkas Picasso Oppenheimi randmel ebatavalist karvkattega käevõru, mis oli mõeldud Elsa Schiaparelli maja jaoks. Sündmuste selges versioonis kommenteeris Picasso, kui palju asju, mida ta nautis, saaks karusnahaga parandada, millele Oppenheim vastas: "Isegi see tass ja alustass?"

Selle mängulise nalja tulemuseks oli Oppenheimi kuulsaim sürrealistlik objekt Déjeuner en Fourrure, mille Alfred Barr ostis vastloodud moodsa kunsti muuseumi tarbeks. "Sürrealistliku eseme kvintessentsiks" peetud karusnahast vooderdatud tassist sai kunstniku esimene töö muuseumi püsikogus. Kuigi meeskolleegid võtsid tema tööd entusiastlikult vastu, nägi ta siiski vaeva, et kehtestada end kunstnikuna omal jõul ja vältida muusa ja inspiratsiooniobjekti olemist.

Tema iseseisev olemus, emantsipatsioon ja mässumeelsus tegid ta meeskolleegide silmis femme-enfant fetišeeritud kehastuseks. See võitlus identiteedi eest, antisemitismi mõju isa tavadele ja II maailmasõja aegne sürrealistlik diasporaa sundisid Meret Šveitsi naasma. Siin langes ta sügavasse depressiooni ja kadus avalikkuse ette peaaegu kahekümneks aastaks.

1960–70ndatel aktiivselt töötades distantseerus ta lõpuks liikumisest, lükates tagasi viited Bretoni aegsele sürrealismile. Feminismile sümpatiseerides ei reetnud ta aga kunagi oma jungi usku, et meeste ja naiste vahel pole vahet, keeldudes kindlalt "ainult naistele" mõeldud näitustel osalemast.

Tema missioon elus oli murda soolisi tavasid ja stereotüüpe, ületades soolise jaotuse täielikult ja taastades täieliku sõnavabaduse., - ta ütles.

3. Valentine Penrose

Üks kriitilisemaid ja lugupidamatumaid sürrealistlikke kunstnikke Valentina Penrose on pühendanud suure osa oma elust kodanliku arusaama hävitamisele naistest kui algselt headest, omakasupüüdmatutest, meest kummardavatest, alistuvatest, asjatundmatutest, jumalakartlikest, töökadest, kuulekadest naistest ja tütardest.

Üks esimesi naisi, kes liikumisega liitus, oli Penrose lummatud ebatavaliste naiste eeskujudest ja elas ise ebatraditsioonilist elu. 1978. aastal Valentina Bouetina sündinud naine abiellus 1925. aastal ajaloolase ja luuletaja Roland Penrose'iga, võttes tema perekonnanime. Ta kolis koos abikaasaga 1936. aastal Hispaaniasse, et liituda revolutsiooni kaitseks töölisväelastega. Huvi müstika ja ida filosoofia vastu viis ta korduvalt Indiasse, kus ta õppis sanskriti ja ida filosoofiat. Valentinat huvitas eriti tantrism, kus ta avastas väärtusliku alternatiivi sürrealistlikule kinnisideele "genitaalide" külgetõmbe vastu, mida mõjutas Freudi psühhoanalüüs.

Ta uskus, et sürrealistlik vaade naistele kui vajalikule "teisele poolele" ei suutnud lõpuks vabastada naisi nende kodanlikest rollidest ja takistas neil leida iseseisvat teed. Tema kasvav huvi okultismi ja esoteerika vastu viis lõpuks kiilu tema ja tema mehe vahele, mis viis lahutuseni aastal 1935. Järgmisel aastal reisis ta koos oma sõbra ja väljavalitu Alice Paaleniga taas Indiasse. Kuid pärast kahe naise lahkuminekut muutus lesbism Penrose'i loomingus korduvaks teemaks, mille keskmes olid sageli tegelased Emily ja Rubia. Tema 1951. aasta kollaažiromaani Feminine Gifts peetakse arhetüüpseks sürrealistlikuks raamatuks. Kujutades kahe fantaasiamaailmas rändava armastaja seiklusi, on see raamat kahekeelse luule ja kõrvuti asetsevate kollaažide killustatud kogumik, mis on korraldatud ilma järjestikku ja kõrgendatud keerukusega.

Esitades alati väljakutse ideaalse naise stereotüübile, avaldas ta 1962. aastal oma kuulsaima teose, sarimõrvar Erzbieta Bathory romantilise eluloo „Verine krahvinna“. Romaani järgi, mis järgib gooti koletist, nõudis aastatepikkust uurimistööd Prantsusmaal, Suurbritannias, Ungaris ja Austrias. Alati endisele abikaasale suletuna veetis ta oma elu viimased aastad oma talumajas koos oma teise naise, Ameerika fotograafiga Lee Miller, tuntud ka kui Lady Penrose.

4. Claude Caon

Claude Caon on diskrimineerimise ja eelarvamuste vältimiseks loonud palju erinevaid tegelasi, alustades varjunime valimisega, sooneutraalse nimega, mida ta on kandnud suurema osa oma elust. Kaon on sümboolne näide kunstnikust, kes, jäädes omal ajal peaaegu tundmatuks, on viimastel aastatel populaarsust ja tuntust kogunud, olles üks kuulsamaid naiste sürrealistide seas. Teda peetakse sageli postmodernistliku feministliku kunsti eelkäijaks, tema sookunstist ja tema poolt välja pakutud naiselikkuse laiendatud määratlusest on saanud postmodernistliku diskursuse ja teise laine feminismi fundamentaalsed pretsedendid.

Caon puutus sürrealistidega kokku Écrivains et Artistes Révolutionnaires Associationi kaudu, kus ta kohtus Bretoniga 1931. aastal. Järgnevatel aastatel esitas ta koos grupiga regulaarselt näitusi: tema kuulus foto Sheila Leggist, kes seisis Trafalgari väljakul, ilmus paljudes ajakirjades ja väljaannetes. Vaatamata revolutsioonilisele positsioonile pidasid kommunistid homoseksuaalsust luksuseks, mida võisid endale lubada ainult lagunenud eliit.

Claude elas koos oma poolõe ja eluaegse elukaaslase Suzanne Malherbega, kes võttis vastu ka meessoost varjunime Marcel Moore. Palkade ebavõrdsus võttis naistelt teadlikult võimaluse olla isemajandav, mistõttu pidid nad ellujäämiseks lootma isa Kaoni majanduslikule toetusele. Välise publiku puudumisel loodi Kaoni kunst peamiselt kodukeskkonnas, pakkudes filtreerimata pilti nende kunstilisele katsetamisele. Maskide ja peeglite abil mõtiskles Claude identiteedi olemuse ja selle paljususe üle, luues pretsedendi sellistele postmodernsetele kunstnikele nagu Cindy Sherman.

Claude lükkas oma fotodega tagasi ja ületas modernistlikud (ja sürrealistlikud) müüdid olulise naiselikkuse ja ideaalse naise kohta, esitades postmodernse idee, et sugu ja atraktiivsus on tegelikult konstrueeritud ja teostatud ning et tegelikkust ei õpita lihtsalt kogemuste kaudu, vaid määratletakse diskursuse kaudu. Saksa sissetungi ajal arreteeriti Claude ja Marseille fašismivastaste jõupingutuste eest ja mõisteti surma. Kuigi nad elasid vabastamispäeva, ei taastunud Claude'i tervis kunagi täielikult ja ta suri lõpuks kuuekümneaastaselt 1954. aastal. Marcel elas ta üle mitu aastat, pärast seda tegi ta 1972. aastal enesetapu.

5. Maria Tšerminova (Toyen)

Sündinud Maria Cherminova, rohkem tuntud kui Toyen, oli osa Tšehhi sürrealismist, töötades koos sürrealistliku luuletaja Jindřich Štyrskiga. Nagu Kaon, võttis ka Toyen kasutusele sooneutraalse varjunime. Kahemõtteline tegelane, Toyen trotsis täielikult soolisi tavasid, kandes nii mees- kui ka naisteriideid ning võttis omaks mõlema soo asesõnad. Kuigi ta oli Prantsuse sürrealismi suhtes skeptiline, langes tema looming suures osas kokku bretooni liikumisega ning 1930. aastateks oli kunstnikust saanud sürrealismi lahutamatu liige. Alati transgressiivne Toyeni huvi tumeda huumori ja erootika vastu on kinnistanud teda hüperseksuaalse, aupakliku kunsti sürrealistlikus traditsioonis, mida on mõjutanud markii de Sade teosed.

1909. aastal leidis Apollinaire Pariisi rahvusraamatukogust ühe de Sade haruldastest käsikirjadest. Sügavalt muljet avaldades kirjeldas ta teda oma essees L'oeuvre du Marquis de Sade kui "kõige vabamat vaimu, kes eales elanud", aidates kaasa de Sade'i populaarsuse taastumisele sürrealistlike maalikunstnike seas. De Sade, kelle nimel sadism ja sadism pärinevad, veetis suurema osa oma elust kas vanglas või vaimuhaiglates oma kirjutamise eest, mis ühendas filosoofilise diskursuse pornograafia, jumalateotuse ja erootiliste vägivallafantaasiatega. Vaatamata tõsisele tsensuurile on tema raamatud viimase kolme sajandi jooksul mõjutanud Euroopa intellektuaalringkondi.

Nagu boheemlased enne neid, olid sürrealistid tema lugudest huvitatud, samastudes de Sade'i revolutsioonilise ja provokatiivse isiksusega ning imetledes tema vastuolulisi rünnakuid kodanliku maitse ja jäikuse vastu. Segades vägivalda ja külgetõmmet, sai sadistlikust suhtumisest vahend alateadvusesse peidetud kaasasündinud impulsside vabastamiseks: - loe sürrealismi esimest manifesti. Toyen avaldas austust vabakutselisele kirjanikule sarja erootiliste illustratsioonidega Shtyrsky „Justine“tšehhi tõlke jaoks.

Toyeni kunsti kunagi esinev poliitiline aspekt muutus aga Euroopa poliitilise olukorra halvenedes üha selgemaks: Tyr-sari paljastab lastemängude ikonograafia abil sõja hävitava olemuse. Pärast kommunistide ülevõtmist Tšehhoslovakkias 1948. aastal Pariisis asudes asus Toyen tegutsema kuni oma surmani 1980. aastal, jätkates koostööd luuletaja ja anarhist Benjamin Pere ning Tšehhi kunstniku Jindrich Heisleriga.

6. Itel Kohun

Teise maailmasõja ajal eraldatud teise põlvkonna sürrealistid kaldusid end peavoolust distantseerima, arendades välja oma uurimissuunad. Naiskunstnikud võtsid üle müütilise naise sürrealistliku idee ja muutsid ta võimsaks nõiakujuks ja olendiks, kes kontrollib tema ümberkujundamis- ja loomisjõudu. Femme-enfant, mis inspireeris sürrealistlike naiste esimest põlvkonda, on nüüd femme-sorciere, oma loomingulise jõu meister.

Kui meessoost kunstnikud näisid oma alateadvuse meediumina nõudvat välist meediat, sageli naisekeha, siis naiskunstnikel puudusid sellised tõkked, kasutades oma otsingute aluseks oma keha. Mina-teisisus, alter ego, mille kaudu naiskunstnikud oma sisemist mina uurisid, polnud vastassugupool, vaid loodus ise, mida sageli kujutati loomade ja fantastiliste olendite kaudu.

Nende põlvkonna jaoks olid vabastavad kaks maailmasõda, majandussurutis ja ebaõnnestunud revolutsioon, maagia ja primitivism. Kunstnike jaoks oli maagia muutuste vahend, ühendades ja peatades kunsti ja teaduse arengu, hädavajalik alternatiiv religioonile ja positivismile, mis viisid sõjakoledusteni. Lõpuks on naiste jaoks okultism muutunud patriarhaalsete ideoloogiate kukutamise ja naissoost mina võimestamise vahendiks.

Pole üllatav, et Itel Kohun tundis huvi okultismi vastu seitsmeteistkümneaastaselt pärast Crowley Thelema kloostri lugemist. Slade kunstikoolis omandatud haridusega kolis ta 1931. aastal Pariisi. Kuid just Suurbritannias tõusis tema karjäär tegelikult hoogu: pärast mitmete isikunäituste korraldamist sai temast 1930. aastate lõpuks üks Briti sürrealismi väljapaistvaid tegelasi. Tema seotus liikumisega oli lühiajaline ja ta lahkus aasta pärast, kui ta oli sunnitud valima sürrealismi ja okultismi vahel.

Kuigi ta jätkas enda määratlemist sürrealistliku kunstnikuna, võimaldas ametlike sidemete katkestamine liikumisega arendada isikupärasemat esteetikat ja luulet. Oma viisil kasutas ta palju sürrealistlikke tehnikaid, nagu frottage, dekalomaania, kollaaž, ja töötas välja ka oma inspireerivad mängud, nagu parsemage ja entoptiline grafomaania. Tumedat jõudu juhtides tundis Itel naistes ära loomise, pääste ja ülestõusmise potentsiaali, mis ühendas neid looduse ja ruumiga.

Tema looming, mis tõmbas paralleele looduskaitse ja naiste emantsipatsiooni vahel, lõi võimsa pretsedendi ökofeminismi edasiseks arenguks. Kadunud jumalanna otsimine oli naiste taaskohtumine Loodusega ja nende endi jõu taasavastamine, teekond, mis viis teadmiste ja võimu tagasitulekuni.

7. Leonora Carrington

Üks pikaealisemaid ja viljakamaid sürrealistlikke naisi Leonora Carrington oli Briti kunstnik, kes põgenes sürrealistliku diasporaa ajal Mehhikosse. Ta sündis 1917. aastal jõuka Briti tekstiilitootja ja iiri ema juurest. Mässumeelse käitumise tõttu heideti ta vähemalt kahest koolist välja. Enam kui kakskümmend aastat noorem kui enamik sürrealiste, puutus Carrington liikumisega kokku ainult näituste ja väljaannete kaudu.

1937. aastal kohtus ta Londoni peol Max Ernstiga. Nad said kohe lähedaseks ja kolisid koos Lõuna -Prantsusmaale, kus ta kiiresti oma naisest lahku läks. Sel ajal kirjutati üks tema kuulsamaid teoseid "Autoportree". Teise maailmasõja puhkemisega interneeriti Ernst "soovimatu välismaalaseks", kuid vabastati tänu Eluardi eestkostele. Gestapo poolt hiljuti arreteeritud, pääses ta napilt internatsioonilaagrist, ajendades teda otsima varjupaika osariikides, kuhu ta emigreerus Peggy Guggenheimi ja Varian Fry abiga.

Ei teadnud Ernsti saatusest midagi, müüs Leonora oma maja maha ja põgenes neutraalsesse Hispaaniasse. Laastatuna sai ta vaimse segaduse Briti saatkonnas Madridis. Haiglasse sattudes raviti teda šokiravi ja raskete ravimitega, mis põhjustasid hallutsinatsioone ja minestamist. Pärast ravikuuri põgenes naine Lissaboni ja seejärel Mehhikosse. Seal abiellus ta Mehhiko suursaadiku Renato Deluciga ja elas koos temaga oma elu kuni surmani 2011. aastal. Tema püüdlused naise vaimsuse poole põhinesid Grovesi 1948. aasta esseel „Valge jumalanna“, mis tekitas taas huvi paganliku mütoloogia vastu. sürrealistlike naiste jaoks oli müüt inimkonna matriarhaalsest päritolust. Sellest uuest mütoloogiast inspireerituna nägid teise laine sürrealistlikud naised ette fantastilisi egalitaarseid ühiskondi, kus inimesed ja loodus elasid harmoonias: naiste kaudu loodud tulevikunägemus.

Kunst on nii mitmetahuline, et mõnikord on raske otsustada, mis sulle meeldib ja tähelepanu äratada. Digimaal ei olnud erand., mis tekitab üllataval kombel palju küsimusi, tekitades topelt aistinguid ja muljeid. Lisaks teavad väga vähesed inimesed sellest, kuidas sellest teosest sai osa suurest kunstist, mille eest on tänapäeval paljud selle suundumuse fännid valmis maksma korraliku summa.