10 filmi, mis on tunnistatud parimaks vene klassika filmikohanduseks

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Viimati modifitseeritud: 2023-12-16 00:03

Hoolimata asjaolust, et klassika kohandamine on alati üsna riskantne idee, võtavad režissöörid sageli ette ambitsioonika idee kehastuse. Mõni neist teostest osutub tegelikult klassika väärikaks tõlgenduseks, viisiks värske pilguga pikalt uuritud süžeele ja tuttavatele kangelastele. Kunstnike esinemine ja nende kujutised teleekraanil tekitavad alati tuliseid arutelusid, nii et võite olla kindel, et klassika kohandamine ei jää märkamatuks, kuid publik pole kaugeltki kõigele tähelepanu väärt. Oleme kogunud kõige väärtuslikumad tööd.

Vaikne Don (režissöör Sergei Ursulyak)

Te ei tohiks võrrelda kaasaegset kohandamist nõukogude omaga, need on romaani täiesti erinevad tõlgendused. Võib -olla on kaasaegse filmikohanemise peamine eelis igapäevaelu, sündmuste, ilustamata inimeste demonstreerimine võimalikult reaalsusele lähedal.

Selles filmis pole suuri näitlejanimesid ja see on parim. Kõik on tehtud selleks, et liiga särava välimuse või karismaga näitlejad ei tõmbaks endale tähelepanu, jättes keskseks peamise - süžee ise, elukäigu ja ajaloolised sündmused. See on võib -olla ka üks põhimõttelisi erinevusi vanast "Vaiksest Donist", millel oli palju eredaid nimesid. Jah, mitte kogu avalikkus ei hinnanud seda lähenemist, mõned näitlejate mängud ja näitlejad ise tundusid maalähedased, kuid just see lihtsus ja siirus peidab endas inimeste tugevust, iseloomu ja hinge.

Tähelepanelik vaataja märkab, kuidas riigi ajaloo kõige mustem aeg vastandub siira ja puhta rahvaga, kes hoolimata kõigist raskustest säilitab nii oma originaalsuse kui ka tunnete siiruse. Kõik see on filmis eksponeeritud, ilma kaugeleulatuva pretensioonikuse ja valeväärtuste ning šabloonist emotsioonideta.

Sõda ja rahu (režissöör Tom Harper)

Iga katse mahutada ekraanile Leo Tolstoi monumentaalteos viib tõsiasjani, et paljud detailid jäävad vahele, mis vahepeal muutuvad oluliseks. Tegemist on õhuväe teise katsega filmida Tolstoi, kui esimene sari (20 osa) ilmus 1972. aastal, siis teine filmi mugandus koosneb 6 episoodist. See on ettevõtte kõige kallim sari, sest ainuüksi esimese osa filmimine läks maksma 2 miljonit naela. See pole üllatav, lõppude lõpuks on see Lev Nikolajevitš, mis tähendab kalleid kostüüme, laskmist Peterburis, tohutut meeskonda.

Üldiselt on ülevaated pildi kohta positiivsed, kuigi puuduste hulgas nimetatakse sageli näitlejate liiga ingliskeelset välimust, süžeeliinidest kõrvalekaldumist (jah, vaataja ei pruugi Tolstoi ümberkirjutamist andestada). Lisaks tõi mõne süžeeliini süvenemine kaasa asjaolu, et Anatoli ja Helen Kuragin satuvad samasse voodisse täiesti sõltumatusse embusse. Hoolimata asjaolust, et seda detaili vajas režissöör ilmselt perekonna kui terviku moraalse iseloomu näitamiseks, on filmis kahtlemata olemas sensuaalsuse astme tahtlik suurendamine.

Enamiku kirjandushuviliste jaoks saab filmi mugandusest iseseisv teos, mis põhineb legendaarsel vene romaanil. Kuid britid eemaldasid süžeest ühemõtteliselt kõik, mis räägib vene originaalsusest ja sügavast psühholoogiast. Kuigi, tõsi küll, miks minna sellesse, mis on arusaadav ainult vene inimesele?

Anna Karenina (režissöör Karen Shakhnazarov)

Ühelt poolt film, mis koosneb 8 episoodist, filmiti traditsiooniliselt vene standardite järgi. Mõõdetud elu haavatavate, melanhoolsete ja läbimõeldud kangelastega. Selle direktori töö erineb aga eelkäijatest sügavuse ja teistsuguse teema avalikustamise poolest.

Filmi esimestest minutitest saad aru, et siin on kõik peategelase valust ja ahastusest läbi imbunud, hoolimata asjaolust, et tema käitumine seda otseselt ei reeda. Pilt ise on sünge, justkui pimendatud, ruumide õhkkond on mõnevõrra hirmutav. Need on ülisuurte ruumidega korterid ja majad, millesse ulatuvad uksed viivad kaugele kõrgusele, mööbel näeb välja üleolev, külm löök igalt poolt. Samas on näitlejate mäng nii sensuaalne ja siiras, et tundub, et nad on sellesse hirmutavasse saatjaskonda lukustatud. Seda efekti võimendab filmis kasutatud muusika.

Lisaks toimuvad ekraanil rulluvad sündmused kolmkümmend aastat pärast Anna Karenina surma - Vene -Jaapani sõja ajal sõjaväehaiglas ainult võimendavad pidevat valu ja hirmu tunnet.

Filmi pole mõtet vaadata süžee aktsepteerimise pärast, siin pole selgelt üles ehitatud lugu, põhirõhk on peategelaste tunnetel ja emotsioonidel, nende järeldustel ja järeldustel. Need, nagu kõik vene klassikud, on väga vastuolulised, sügavad ja võhikule sageli arusaamatud, ei ole standardloogikale kohandatavad.

Deemonid (režissöör Vladimir Khotinenko)

Dostojevski romaani filmitöötlus on pealkirja järgi otsustades väga täpselt reprodutseeritud. Kõik toimuv meenutab mingisugust hullumeelsust, pildid ja olud muutuvad meeletu dünaamikaga, kogu aeg saadetakse need minevikusituatsioonidesse, tunne, et ekraanil on õudus, ei lahku. Tekib tunne, et kõik, mis juhtub mitte ainult ekraanil, vaid ka elus, on mingi õudus ja kõik ümberringi on deemonite poolt vallutatud. Ja just nende tegudes on kõige toimuva tõeline olemus.

Näitlejad (enamasti noored talendid) mängisid väga entusiastlikult, unustamata iga toimingu saatmist mõningase hullusega.

Valge kaardivägi (režissöör Sergei Snežkin)

Arvestades, et režissöörid armastavad tema loomingu kallal töötada, on üsna raske konkureerida Mihhail Bulgakovi teoste ülejäänud filmitöötlustega. Kuid Snežkin esitas uue nägemuse, näidates, et tema film pole teistest halvem, teine väärt teos, mis peaks klassika tundjatele meeldima.

Snežkin tabab aadlikke, kes jäid Tsaari -Venemaale, kuid lahustusid nii kiiresti filistluse voos ja muutuvas poliitilises süsteemis. Ohvitserid, kes olid kunagi au ja väärikuse kehastus, jäävad silmitsi eelseisvate muudatuste, ebaviisakuse ja hoolimatusega, sest neid reedavad nende endi kõrged kolleegid. Vana Venemaa kehastus ja selle parimad jooned - Valgel kaardiväel pole reetureid. Kangelane, keda mängib Bondarchuk, jookseb kiiresti bolševike poolele, olles lõpuks aru saanud, kust "tuul puhub", on ta ilmselt üks neist inimestest, kes suudab kohaneda ja kohaneda mis tahes oludega.

Eraldi tuleks öelda näitlejate, Khabensky, Porechenkov, Garmash kohta - hinge ja meelekindlusega, asja tundmisega, paljastada pilte, andes neile karisma ja iseloomu. Lavastajale tasub avaldada austust, ta mitte ainult ei tegutse süžee järgi, vaid paljastab mõned detailid nii peenelt ja väiklaselt, et need annavad erilise mahlakuse. Draama annab teed irooniale, komöödia tragöödiale, siit filmist leiab kõike. Kogu film ei jäta väärikuse ja jäleduse vastandumistunnet, mida kinnitab mitte ainult üldine süžee, vaid ka detailid.

Kuritöö ja karistus (režissöör Aki Kaurismaki)

Dostojevski tõlgendus on üsna vaba ja seda pehmelt öeldes. Niisiis, sündmused arenevad Helsingis 80ndatel. Peategelane Anti on tähelepanuväärne, tagasihoidlik, vaoshoitud, vaikne, kuigi töötab tapamajas lihunikuna ja kogeb oma pruudi kaotust. Surmaga lõppenud õnnetuse toime pannud juht on oma kallima surmas süüdi ja ta pääseb karistusest.

Detektiivikomponent, peategelase piinad pärast jõuka ärimehe tapmist ei ole filmi põhikomponendid, see on ehk raamatu kõige olulisem erinevus. Sarnasus on lisaks kangelase südametunnistuse piinadele ka selles, et Anti on tavaline inimene, keda olud sunnivad põhja minema. Sellest saab jäätmeelement, mis on süsteemi purunenud ja neeldunud.

Filmi külmad ja kalkuleerivad peategelased osutuvad lõpuks peamisteks ohvriteks, kes elavad oma tunnete, kogemuste ja valu vangistuses.

Vennad Karamazovid (režissöör Juri Moroz)

Režissöör töötas filmi kallal mitu aastat ning näitlejad tunnistasid pärast filmimise lõppu, et see töö muutis neid mitte ainult professionaalidena, vaid muutis ka nende isiklikke hoiakuid, ideid heast ja kurjast, religioonist ja moraalist. Rolliga harjumine, oma kangelase kõigi kogemuste tunnetamine, isegi kui tema vaatenurk ei ole tema enda suhtumisega lähedane, on näitleja töö. Kuid üks asi on harjuda kaasaegsete rolliga ja hoopis teine asi - suure Dostojevski loodud kangelastega ning elada isegi tema salapäraseima ja keerukaima romaani raames.

Fedori suhted poegadega on väga keerulised, kumbki vaatab toimuvat läbi oma ego, huvide ja vaatenurga prisma. Iga vend on Dostojevski meditatsioon armastusest vabaduse, moraali ja religiooni vastu.

Filmi mugandus väidab end olevat täiesti realistlik ülekanne nii süžeest kui ka näitleja piltidest, kes suutsid rolliga täpselt harjuda ja neid tunnetada.

Doktor Živago (režissöör Aleksander Proshkin)

Hoolimata asjaolust, et kriitikud nimetavad filmi iseseisvaks teoseks, on see seni Pasternaki loomingu ainus kodumaine filmitöötlus. Riigi ajaloo demonstreerimine läbi ühe isiksuse - poisi, mehe - prisma, kes jäi noorest peast üksi. Vanemaks saades ja hariduse saades tuleb riiki kodusõda ja seejärel teine maailmasõda.

Te ei peaks püüdma otsida täielikku sarnasust romaaniga, pealegi on filmi mugandusel sama raske saatus kui teosel endal. Enne ametlikku väljaandmist oli ekraanidel juba levitatud piraatversiooni ning ringhäälinguõiguse ostnud kanal sisaldas nii palju reklaame, et tekitas vaatajates palju pahameelt. Nendel ja muudel põhjustel ei hinnatud sarja tõelist väärtust, kuigi see väärib kindlasti tähelepanu ja võib pakkuda palju vaatamisrõõmu.

Stsenaristid täiendasid romaani dialoogidega, mida tegelikult polnudki, et pilte ja sündmusi üksikasjalikumalt edasi anda, õigeid aktsente paigutada. Hoolimata asjaolust, et kangelased osutusid maalähedasemateks ja karmimateks ning Zhivagost sai kuulus luuletaja, aitas see süžee tõsidust selgemalt edasi anda.

Isad ja pojad (režissöör Avdotya Smirnova)

Film meeldib neile, kes ei eelista filmi kohandamisel klassiku süžee ja dialoogide säilitamist. Siin tehakse seda väga hoolikalt ja töö suhtes. Nagu essees, mis on kirjutatud suurepäraste hindega, ilmneb romaani teema ning isade ja laste konflikt sügavalt ja rikkalikult. Näitlemine, maastik ja kostüümid ei tekita küsimusi ega jäta "maskeerumise" tunnet, kõik on harmooniline, ühtlane ja nii nagu peab.

Hoolimata asjaolust, et süžee on kõigile tuttav ja režissöör ei kaldu sellest kõrvale, õnnestus filmis säilitada teatav pinge, vaidlus kahe peategelase vahel, vaieldes tõde otsides.

Taras Bulba (režissöör J. Lee Thompson)

Kohe tuleb märkida, et see filmikohandus ei pretendeeri millegi väärtuslikule, pigem on see viis vaadata Ameerika klassikasse läbi Ameerika klassika prisma teisiti. Noh, mis kasu võib juhtuda, kui võtate filmi sellest, mis juhtus teises riigis ja teisel ajal? Noh, nii see läks. Lisaks, arvestades asjaolu, et ameeriklased keskenduvad tegevusele ega vaevu liialt detailide kallale.

Süžee on originaalist väga erinev ja Taras Bulba isegi väliselt on tema raamatu prototüübist väga erinev. Ekraanil on ta tark, julge ja üldse mitte autoriteetne. Rääkimata sellest, et see ei meenuta sugugi slaavi rahvuse nägu.

Ja jah, Kalinka-Malinka, karud, kolm hobust, seda kõike on filmis õiges koguses. Ja kuidas see vene keeles välja ei tule.

Hoolimata asjaolust, et ikkagi on parem klassikat lugeda kui vaadata, võivad filmide mugandused anda nii meeleolu kui ka mälestusi ning panna mõtlema igavesele. Ja on ka üsna tõenäoline, et käsi ise jõuab raamatu poole, sest see tõmbab alati võrdlema teatud unustatud detaile.

Nõukogude kino klassika mitte ainult ei pannud aluseid sellele kunstisuunale Venemaal, vaid tuli toime ka paljude muude ülesannetega, näiteks see oli kino, mis pidi muutma üksikemade kuvandit, muutes nad rohkem lugupeetud isikuteks.